​Técnicas tradicionales y contemporáneas

 

 

[De regreso al camerino, el payaso se observa frente al espejo; contempla sus formas, sus colores y su historia tan antigua como las voces e imágenes que siguen zumbando en su cabeza y en su cuerpo]

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cuando me pinto me transformo, no puedo quedarme quieto, me la paso chistoseando, llevo como 42 años pintándome. El payaso debe tener un ángel, no es simplemente pintarse.

El maquillaje del payaso se basa en aprovechar los rasgos particulares de cada rostro para resaltar gestos y posibilidades cómicas del mismo. Es además cuestión de identidad, pues proyecta una imagen característica del payaso para que lo reconozcan. Es importante considerar que el maquillaje es apenas un realce, un maximizador de los efectos que los gestos del payaso proyectan y comunican.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El rojo...

Anteriormente se compraba el rojo bermellón, hoy en día no existe. También tenemos otras formas de conseguir el rojo. Hay compañeros que compran eso que usan para pintar las telas... óleos. Yo conseguí otra técnica más moderna: compro un delineador rojo, le sustraigo la mina, y hago el mismo proceso que con el blanco, y obtengo el rojo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El maquillaje parece haberse reducido, de tamaño y de cantidad. En el circo el rostro exigía una magnificación que ahora, en otros contextos como las fiestas infantiles, lo hace ver grotesco y hasta amenazante. La proximidad con el público exige que los maquillajes sean más sutiles.

Con el vestuario ocurre algo similar, que ha tendido a simplificarse, aunque siempre el vestuario es algo que caracteriza al payaso. El asunto es que antes eran muchos los accesorios de que se valía el payaso para adornar visualmente su personaje (guantes, sombrero, peluca, zapatones, malla -en esa época salir sin mallas podía ser terrible simplemente porque estaba mal visto entre los payasos hacerlo por los códigos que se manejaban, además la malla facilitaba las acciones que implicaban tener el pantalón abajo). Antes uno salía con zapatones, y los niños ya se reían con sólo verlos, ahora no...

 

Hay una influencia europea que yo alcancé a ver en algunos circos cuando todavía era niño, y es la del uso de objetos sobredimensionados, como en la entrada de la cirugía. Le sacaban los intestinos al payaso que hacía de enfermo y utilizaban instrumentos gigantes, como un bisturí enorme que por supuesto asustaba al pobre payaso de la camilla. Sé que ahí hay una influencia europea - no sé si italiana- pero no estoy seguro si en esta entrada, por ejemplo, están imitando o es en todo caso una creación propia de los payasos de aquí.

Ya no se hace la pintura bonita para aprovechar los gestos y los rasgos, o el huequito en el zapato, o el guante roto, o el chichón, todo eso se acabó… Para mí ese fue el principio de lo que está pasando ahora con el payaso y con el circo. El payaso que mantiene el estilo americano exagerado es el payaso de restaurante.

 

Yo me empecé a dar cuenta que a los niños ahora les da miedo esa apariencia, por eso es que empecé a reducir la imagen, más sobria, para entrar más en esos espacios de las fiestas infantiles y las piñatas.

 

Pero en todo caso a pesar de la “reducción” de la apariencia, todavía es importante ser cuidadoso y elaborado con esto. Por ejemplo con mi compañero trabajamos vestidos casi igual,  combinando los mismos colores pero con detalles muy bonitos, y eso marca una comicidad muy bonita.

 

[Ya sin maquillaje y con su ropa de calle, el payaso se retira del camerino. Aunque tenía planeado ir a su casa a descansar, a último momento decide regresar al espacio de los encuentros de payasos, para asegurarse que el regreso de las voces e imágenes se prolongue, ojalá de forma permanente, para no volverlo a abandonar nunca más]

 

Humor físico

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"El trabajo actoral”, explica Juan Carlos Yela mientras la mayoría de participantes se limpia el sudor y recupera la respiración, “debe ir acompañado del trabajo físico, pues esto ayuda mucho a construir cosas cómicas con el cuerpo. Más que ser acróbata, es tener un entrenamiento disciplinado para lograr hazañas corporales graciosas; por ejemplo Mario Escobar, quien fue uno de mis maestros, logra realizar cosas chistosas para complementar sus números o propuestas, básicamente porque tiene un trabajo permanente y conoce su propio cuerpo, que no es para nada atlético o liviano. Hay miles de ejemplos de actores y técnicas como la cámara lenta, que es un recurso muy bonito pero que se debe trabajar muy bien. Yo trato de usar mil recursos para lograr lo cómico sin el cuerpo, pero en el escenario lo corporal lo ayuda a uno y lo salva.”

 

“Estoy de acuerdo con eso. Como ya lo dije en otro momento”, interviene otro participante, “yo descubrí que el humor de mi payaso es menos corporal y más intelectual, pero también soy consciente que tengo que encontrarle una expresión corporal a mi personaje.”

 

“Las cascadas son una parte acrobática importante del payaso”, dice un veterano payaso, ahora también dueño de circo, “pero es igualmente importante integrar otras cosas, como por ejemplo el baile, tanto a la formación física y corporal del payaso, como al espectáculo cómico en sí. Eso realza al payaso.”

 

“Yo por ejemplo”, dice otro veterano, que además ahora es pastor, “siempre he tenido una formación artística hacia el baile y la música. De hecho, yo entré al circo como técnico porque acompañe a mis hermanas a un casting de bailarinas, pero al poco tiempo yo ya era el primer bailarín del circo, por mi talento. Aunque de niño había hecho cosas de payaso con un amigo del barrio, y luego me pedían que personificara a Cantinflas en eventos del barrio (porque lo imitaba muy bien), estuve muchos años en circos como bailarín, y solo por una casualidad fue que me puse de nuevo el vestuario y la nariz roja. Me tocó cubrir a un payaso que nunca llegó a un evento el minicirco que yo manejaba. Ahí nació mi payaso, y no puedo negar que todo lo que sabía hacer, sobre todo bailar y hacer música infantil, se canalizó y potenció a través de mi personaje.”

 

“Para mí ha sido tan importante lo corporal”, dice un payaso joven de cabello rubio, que es reconocido por haberse formado con payasos tradicionales de circo, pero al mismo tiempo haber realizado estudios de arte dramático y clown, “que yo estudié pantomima y expresión gestual. Eso de crear mundos de la nada, solo con el movimiento de las manos y del cuerpo, me parecía algo mágico.”

 

Caracterización

 

“A mí me pasó algo muy curioso”, continúa el mismo payaso rubio, “yo hacía de mago desde chiquito, y en una presentación en el colegio, me dio por ponerme la nariz de payaso, y fue como un cambio, como cuando Jim Carrey se pone la máscara[1] y se transforma, algo dentro de mí se revienta, son muchas emociones y un deseo de jugar y descubrir, y empiezo a sacar de voluntarios también a algunos profesores, una cosa muy loca... Al mismo tiempo me siento vulnerable y alerta a todo lo que pasa a mi alrededor.”

 

“Hay una idea errónea del payaso”, dice Guillermo, “y es creer que se trata de alguien que puede burlarse directamente de la gente, aproximarse al niño sin importar si se asusta, se cree que debe ser el bufón que agrede, que ofende.”

 

“¡Pero el asunto es que en los barrios y en los circos pequeños ese tipo de payaso gusta!”, dice uno de los payasos veteranos que más ha asistido a los encuentros. “Son los payasos que nosotros llamamos que son  “rasca” o “matacho”, que tratan de hacer las cosas ‘bonitas’ que hacen otros, pero acaban siendo morbosos, vulgares, a veces de mala calidad.”

 

“Bueno, creo que es importante hacer una claridad”, dice Juan Carlos Yela, “y es que la risa es importante, pero la risa puede ser buena o puede ser mala. Ahí es donde empieza a aparecer la habilidad del payaso como espectador, con una mirada autocrítica, para tener claro cuándo el público es demasiado generoso, pues ahí es cuando hay que ser cuidadoso, no regalarse al público o sobrepasarse.”

 

[El payaso investigador oprime el botón de pausa de la cámara. La imagen de Juan Carlos queda congelada mientras el investigador toma algunos apuntes]

 

Hay una relación compleja entre el chiste -o “gag”- y la risa, pues aunque aparentemente son indisolubles, diferenciarlos permite entender el proceso social y cultural que implica el acto comunicativo del payaso con su público. ¿La intención es generar una carcajada o dejar un mensaje, que puede ser educativo o político? ¿Son las dos cosas? Leyendo a Freud[2] me encuentro con que para él, el efecto cómico no puede estudiarse apenas como un dispositivo (es decir, el chiste) sino como una mediación que se construye desde lo social, surgiendo desde y respondiendo a imaginarios, fantasías, temores, frustraciones, sueños y expectativas que rondan nuestra vida cotidiana. Así se puede entender todavía mejor la relación entre el humor grotesco y la idea de Bajtin del bajo corporal, pues en últimas remite a la expresión implícita de lo reprimido (sexual y escatológico).  

Pero también me encuentro con que unos veinte años después, Freud escribió un ensayo en que diferencia humor y chiste[3]. No lo he leído, no sé exactamente cómo aborda la diferenciación, pero me parece que puede ser algo similar a lo que hace Henri Bergson en su estudio sobre la risa. Este autor hace una diferencia entre la risa con una dimensión estética (contemplativa) y con otra ética, que implica de forma más clara una intención destructiva de humillar o corregir.

Como me decía un payaso y director del circo del ejército (a propósito, ¿con qué intención el ejército monta un circo?), la comicidad está estratificada; la comicidad fina o clásica no es fácil de decodificar de manera exitosa en contextos populares. Él considera que la influencia del payaso chileno, que tiene fama de traer lo grotesco y vulgar a nuestro medio, viene más es en la cuestión de abordar al público, que no necesariamente es un abordaje grosero. Por lo general atropella, ridiculiza, pero no necesariamente agrede. A veces es muy fina esa frontera, dependiendo de elementos como el movimiento del cuerpo, el contexto en que se hace, los sonidos en que se apoya, los textos que se incluyen...

 

[Con más incertidumbres que claridades en sus ideas, el investigador oprime de nuevo el botón de “play” de la cámara. La imagen pasa rápidamente de Juan Carlos Yela al payaso veterano dueño de circo]

 

“Una vez se tiene un buen maquillaje y un buen vestuario, es importante tener presente la voz como un elemento fundamental del payaso.”